DOGMAN, ne pas lâcher le morceau

DOGMAN de Matteo Garrone ⭐⭐⭐1/2

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Il y a dans l’histoire du cinéma italien, des performances d’acteurs et d’actrices qui transcendent l’oeuvre dans laquelle ils ou elles jouent. Comme si le scénario, les décors, toute la mise en scène, les autres comédiens et comédiennes, et même la musique, étaient là pour que la performance de l’un d’entre eux puisse s’élever au-dessus du lot, pour nous rendre témoin d’un moment de grâce dans la vie de cette personne, en pleine possession de ses moyens, capable d’être en parfaite cohésion avec son personnage, lui offrant même une humanité bien au-delà de celle écrite par le scénariste.

Que l’on pense à Marcello Mastroianni, plus grand que nature dans  HUIT ET DEMI de Federico Fellini; Monica Vitti, bouleversante dans LE DÉSERT ROUGE de Michelangelo Antonioni; ou encore Roberto Benigni dans son sublime LA VITA È BELLA. Je pourrais poursuivre cette énumération longtemps. Il faudra désormais y ajouter le nom de Marcello Fonte, géant dans le DOGMAN de Matteo Garrone.

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LA FEMME DE MON FRÈRE, filiation

LA FEMME DE MON FRÈRE de Monia Chokri ⭐⭐⭐

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Auréolé du prix Coup de cœur de la section Un Certain Regard au plus récent Festival de Cannes,  LA FEMME DE MON FRÈRE,  premier long métrage de Monia Chokri, arrive rapidement sur nos écrans après son acclamation sur la Croisette.

Belle idée que de profiter de cet élan, surtout pour mettre un peu de couleurs dans ce printemps si gris. Ce film propose une thématique peut souvent explorée dans notre cinématographie, soit la relation entre une sœur et son frère, sujet pourtant riche narrativement. Il y a bien eu récemment le tumultueux EMBRASSE-MOI COMME TU M’AIMES d’André Forcier, ou dans la dernière décennie INCENDIES de Denis Villeneuve et EN TERRAINS CONNUS de Stéphane Lafleur (malgré que chez ces deux derniers titres, le lien de filiation n’était pas nécessairement le centre d’intérêt), il faut reconnaître que c’est davantage dans un contexte familial que sont représentés ces liens fraternels dans le cinéma québécois (LÉOLO de Jean-Claude Lauzon et LES PLOUFFE de Gilles Carle en sont d’excellents exemples).

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Pertinence des films de guerre

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Dans le cadre des commémorations du 75e anniversaire du débarquement en Normandie, j’ai été invité le mardi 4 juin 2019 à participé à une discussion autour de la pertinence des films de guerre avec mon collègue Martin Forgues, à l’émission ON DIRA CE QU’ON VOUDRA animée par Rebecca Makonnen sur les ondes d’Ici Première de Radio-Canada.

Voici le lien vers ce 12 minutes d’échanges. Vous y trouverez aussi toutes les références des films cités. Bonne écoute!

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SANS FIN, la vie après la mort

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Avec SANS FIN, Krzysztof Kieślowski termine un cycle et en débute un nouveau à la fois. Juste avant d’entamer son ambitieux projet LE DÉCALOGUE, il propose son œuvre la plus explicitement politique, s’en prenant à la loi martiale décrétée par le général Jaruzelski en 1981, et il continue d’explorer les possibilités de la fiction, s’éloignant plus que jamais de son approche documentaire de ses débuts.

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ET DIEU…CRÉA LA FEMME, le chemin parcouru

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Il y a des œuvres cinématographiques dont les effets qu’ils ont provoqués transcendent leurs images et l’histoire qu’elles racontent. C’est le cas d’ET DIEU…CRÉA LA FEMME de Roger Vadim, mettant en vedette Brigitte Bardot, jugé alors comme un film sulfureux aux mœurs légères. Sensuelle et épris de liberté, Bardot joue une jeune femme orpheline, Juliette, qui rêve simplement de profiter de la vie et d’être heureuse. En 1956, ce premier long métrage de Vadim lancera le mythe de sa femme aux initiales célèbres, B.B., tout en pressentant la libération sexuelle à venir qui sera confirmé environ 10 ans plus tard en France par la légalisation de la pilule.

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LA PLAYA D.C., poursuivre le combat

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Après avoir transporté sur son dos toute la journée de lourdes poches de patates, Tomás enlève ses vêtements de travail pour enfiler son jeans, son t-shirt et son hoodie. Avant de quitter, il sort deux feutres de son sac et nous voyons devant lui une fresque inachevée de ses multiples dessins sur une courtepointe de sacs en papier. Tomás y ajoute des vagues bleues. Ensuite, il marche longtemps à travers des champs pour se trouver un coin tranquille et y poursuivre ses esquisses. Le titre apparaît sur fond noir.

Dans cette introduction de son premier long métrage, Juan Andrés Arango annonce les couleurs de son film et du coup, celle de son personnage central Tomás. Sans que le lieu nous soit annoncé, nous le suivons dans le quartier LA PLAYA D.C. à Bogota. Ce jeune afro-colombien aux talents artistiques indéniables tentera à l’aide de son frère ainé Chaco, qui revient d’une tentative d’immigrer illégalement au Canada, de retrouver le cadet Jairo, embourbé dans ses dettes liées à sa consommation de crack.

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CAMION, prendre son temps

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Si certains réalisateurs obtiennent beaucoup d’attention dès leur premier film, d’autres développent tranquillement leur art. Comme des artisans, ils peaufinent leur technique en tournant le plus souvent possible, souvent avec des moyens réduits (LE CÈDRE PENCHÉ, DERRIÈRE MOI et NEW DENMARK), sachant que la route vers la reconnaissance est parfois longue et sinueuse. C’est avec son quatrième long métrage que Rafaël Ouellet a montré aux yeux du monde tout son savoir-faire, son CAMION est une œuvre mature, forte et pleine de lumière. Les prix de la mise en scène et œcuménique au Festival de Karlovy Vary en 2012 l’ont confirmés.

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